Um novo show “fantástico” celebra a diáspora negra com mito e magia

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Vista da instalação de obras de Nick Cave em “In the Black Fantastic” na Hayward Gallery, 2022. Foto de Zeinab Batchelor. Cortesia da Galeria Hayward.

Na exposição da Hayward Gallery “In the Black Fantastic”, a poderosa e recém-comissionada instalação de Nick Cave ocupa o centro do palco. A peça, intitulada Reação em cadeia, apresenta centenas de braços de gesso preto – moldados a partir do próprio artista – unidos como correntes. As mãos se agarram como se tentassem levantar uma à outra. A instalação aborda um dos grandes temas da mostra: o legado da escravidão e do colonialismo.

Com curadoria de Ekow Eshun, a exposição apresenta obras de 11 artistas: Nick Cave, Hew Locke, Kara Walker, Lina Iris Viktor, Chris Ofili, Rashaad Newsome, Wangechi Mutu, Sedrick Chisom, Cauleen Smith, Tabita Rezaire e Ellen Gallagher. Esta é a primeira grande apresentação do Reino Unido dedicada ao trabalho de artistas negros em toda a diáspora que usam espiritualidade, mito, ficção científica e afrofuturismo para sugerir possibilidades utópicas.

Vista da instalação de obras de Rashaad Newsome em “In the Black Fantastic” na Hayward Gallery, 2022. Foto de Zeinab Batchelor. Cortesia da Galeria Hayward.

A mostra também reflete os desafios do nosso mundo contemporâneo, abordando a injustiça racial e questões de identidade. “In the Black Fantastic” parte de uma perspectiva centrada no Ocidente para explorar a autonomia e a experiência negra.

Eshun habilmente dividiu a exposição em salas separadas para que cada artista exponha dentro de seu próprio espaço; isso torna mais fácil para o espectador apreciar os artistas individualmente e, em seguida, analisar o poder cumulativo do show como um todo.

Têxteis apresentam destaque por toda parte. Alguns artistas usam diamantes (decoração com joias) e cristais Swarovski brilham no trabalho de Rashaad Newsome. Peças multimídia alternadamente apresentam madeira, peles artificiais, miçangas, folha de ouro e lantejoulas. Esses materiais exuberantes adicionam uma sensação de diversidade vibrante à mostra, que também apresenta pintura, escultura, vídeo, instalação de mídia mista e fotografia.

Nick Cave, vista da instalação de Fato de som, 2010, em “In the Black Fantastic” na Hayward Gallery, 2022. Foto de Zeinab Batchelor. Cortesia da Galeria Hayward.

Nick Cave, Fato de som, 2014. © Nick Cave. Cortesia do artista e Jack Shainman Gallery, Nova York.

Além de mostrar Reação em cadeia, Nick Cave também exibe seus famosos “Soundsuits” coloridos e adornados com joias, que ele faz com tecidos, bordados, ráfia, lantejoulas, miçangas e muito mais. Um apresenta um visual de máscaras da África Ocidental; assemelha-se a um dançarino mascarado com um pescoço alongado. Outro compreende pilhas de tecidos de malha. Ainda outro parece ter vindo do reino da ficção científica, dadas suas semelhanças com um traje que alguém pode usar no espaço. Cada Soundsuit é usável e em tamanho real.

Cave começou a fazer essas fantasias há 30 anos em resposta ao espancamento brutal de Rodney King por policiais do Departamento de Polícia de Los Angeles, que desencadeou os distúrbios de 1992 em Los Angeles. O artista vê os Soundsuits como disfarces corporais e formas de armadura que oferecem proteção em uma sociedade racializada. Cave também fez um novo Soundsuit que comemora o assassinato de George Floyd pela polícia de Minneapolis. Apesar de suas inspirações trágicas, as obras abraçam a ambiguidade. Eles escondem a identidade, raça e gênero de seus usuários com adornos exuberantes.

Wangechi Mutu, ainda de O fim de comer tudo, 2014. Cortesia do artista, Gladstone Gallery e Victoria Miro. Encomendado pelo Nasher Museum of Art da Duke University.

Wangechi Mutu pensa o corpo de uma forma diferente. Eshun postou citações de pensadores famosos ao redor da mostra, e as de Suzanne Césaire combinam perfeitamente com a obra de Mutu: “Aqui estão o poeta, o pintor e o artista presidindo as metamorfoses e as inversões do mundo sob o signo da alucinação e da loucura”. Ao longo de sua instalação, a artista queniana retrata o corpo humano em espaços míticos e considera a feminilidade divina.

Sua colagem O sonhador da ilha gritadorapor exemplo, referências vezes, ou mulheres da água, e uma história sobre um espírito feminino que vagueia ao longo da costa. O espírito parece ser um humano normal – até que ela encanta as pessoas no mar e as afoga. A peça evoca um livro de histórias infantil surreal e satírico. “In the Black Fantastic” também traz um vídeo de Mutu e colagens adicionais que combinam recortes de revistas com materiais naturais como conchas, chifres e terra vermelha das viagens do artista.

Lina Íris Victor, Décima primeira2018. Cortesia do artista e Hayward Gallery.

Hew Locke, Embaixador 1, 2021. © Hew Locke. Foto de Anna Arca. Cortesia do artista e Hayward Gallery.

Ao longo de suas pinturas coloridas e míticas, Chris Ofili reconsidera um espírito do mar de uma tradição diferente: o artista ilustrou uma cena do filme de Homero Odisseia, em que Ulisses encontra a ninfa da ilha Calypso. Ofili inspirou-se no poeta de Santa Lúcia Derek Walcott, cujo poema “Omeros” utilizou personagens do Odisseia analisar o legado prejudicial do colonialismo. As representações de Ofili de criaturas submarinas e sobrenaturais apresentam aos espectadores uma versão mágica do alto mar.

A artista liberiana britânica Lina Iris Viktor também transporta os espectadores para um lugar e tempo diferentes, embora seus veículos de escolha sejam trabalhos ousados ​​de mídia mista. Sua série de autorretratos azuis, brancos e pretos, intitulada “A Haven. Um inferno. Um Sonho Adiado”, são poderosos. Um deles, intitulado Décima primeira, retrata o artista sentado majestosamente, vestido com belos tecidos africanos. Linhas douradas intrincadas traçam um mapa, enquanto textos parciais que se espalham pela superfície – como “Tribos tratadas no relatório” – oferecem narrativas sugestivas. Viktor também pinta a Sibila Líbia, uma profetisa da mitologia grega antiga que os abolicionistas do século 18 consideravam uma figura de proa que previu “o terrível destino” dos africanos escravizados. Viktor questiona o papel do altruísmo ocidental na República da Libéria após a abolição da escravatura; um legado colonial ainda assombra o país.

Vista da instalação de obras de Hew Locke em “In the Black Fantastic” na Hayward Gallery, 2022. Foto de Rob Harris. Cortesia da Galeria Hayward.

Hew Locke usa esculturas para considerar tais legados. Sua série de peças, intitulada “Os Embaixadores”, lembra os cavaleiros do apocalipse com suas posturas ameaçadoras. O artista adornou ricamente suas aproximações de cavaleiros em tecido, miçangas e outras jóias, depois as cercou com caveiras decoradas. “Os Embaixadores” desafiam a forma como vemos figuras históricas: o artista embelezou seus quatro cavaleiros com medalhas e insígnias militares, que representam a mão pesada do colonialismo.

Uma sensação de desgraça também permeia as pinturas oníricas de Sedrick Chisom. Eles apresentam personagens que parecem mortalmente doentes, sugerindo um futuro pós-apocalíptico em que todas as pessoas de cor optaram por deixar a Terra, e o resto da humanidade foi afligido por uma doença fictícia chamada “revitiligo”, que escurece o pigmento da pele.

Cedrico Chisom, Medusa vagou pelas zonas úmidas da cidadela capital sem ser perturbada por dois vagabundos confederados preocupados com vapores venenosos que se agitavam no ar noturno, 2021. © Sedrick Chisom. Foto de Mark Blower. Cortesia da artista e Pilar Corrias.

Kara Walker, por outro lado, investiga o passado racista e sangrento da América ao longo de suas animações em papel cortado. Seu assunto violento e provocativo assombrará os espectadores muito depois que eles deixarem o programa. filme de Walker Príncipe McVeigh e as blasfêmias de Turner (2021) retrata dois crimes de supremacia branca: em 1988, três homens brancos no Texas assassinaram James Byrd arrastando-o até a morte por trás de uma caminhonete e, em 1995, Timothy McVeigh bombardeou o Alfred P. Murrah Federal Building em Oklahoma City . As referências do título do projeto Diários de Turner pelo líder neonazista William Luther Pierce, um romance racista que supostamente inspirou McVeigh e outros ataques de supremacia branca – incluindo o recente ataque de 6 de janeiro de 2021 ao Capitólio dos EUA. Como Chisom, Walker confronta a ideologia parasitária da branquitude e a “alteração” dos negros.

O trabalho de Rashaad Newsome parece mais futurista, embora reflita sobre o caos de hoje; Construir ou destruir, seu filme na série, pode lembrar o espectador do meme “isso está bem”. O vídeo mostra um personagem trans CGI dançando em meio ao fogo e prédios em colapso. Amostrando e reconfigurando visuais relacionados à escultura tradicional africana, à comunidade Black Queer e à cultura pop, Newsome espera que seu trabalho ajude a nos libertar de sistemas opressivos.

Vista da instalação de obras de Cauleen Smith em “In the Black Fantastic” na Hayward Gallery, 2022. Foto de Zeinab Batchelor. Cortesia da Galeria Hayward.

Cauleen Smith usa sistemas digitais para um efeito muito diferente. Sua instalação imersiva apresenta uma mesa decorada com pequenas esculturas, um pássaro, plantas e telas de computador que projetam imagens de paisagens naturais em mudança e versões digitais ampliadas das esculturas nas paredes da galeria. O artista tem uma conexão pessoal com cada item na mesa. Ela descreve o sortimento como um “arquivo de associações, viagens, afetos, desejos, perguntas e anseios”. Smith aborda temas de afrofuturismo, possibilidades utópicas e comunidade.

Para concluir a exposição, a fascinante pintura de Ellen Gallagher Calado Extático de Peixes retrata um reino subaquático. A cena se inspira na história de uma Atlântida Negra conhecida como Drexciya, um lugar povoado pelos descendentes das mulheres grávidas sequestradas e escravizadas que foram jogadas ao mar em navios transatlânticos. O mito Drexciya foi criado pela dupla de música eletrônica homônima de Detroit, que foi parcialmente inspirada pelo livro de Paul Gilroy de 1993 O Atlântico Negro: Modernidade e Dupla Consciência. Ao longo da pintura de Gallagher, ameba marrom com círculos rosa, laranja e roxo escuro fazem parte de uma cena subaquática. Figuras de prata que lembram esculturas africanas flutuam no mar.

Ao todo, esses artistas oferecem novas formas de ver e desafiam a ideia de raça como uma construção social. Em suas próprias maneiras únicas, eles reimaginam as possibilidades para os negros em todo o mundo.

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